Enero 2026
Ñuñoa
Concierto Pre románticos parisinos
23 enero, 19.30 h
Teatro California
Puerto Varas
Concierto Pre románticos en Alemania
27 enero, 20.00 h, Parroquia del Sagrado Corazón
(coorganizado con EFE, Seremi y Cultura Puerto Varas)
Ancud
Concierto Pre románticos en Alemania
28 enero, 19.00 h, Catedral de Ancud
(coorganizado con Semanas Musicales de Frutillar y Seremi)
Frutillar
Concierto Pre románticos parisinos
29 enero, 19.30 h
Teatro del Lago (Semanas Musicales de Frutillar)
Director titular: Emmanuel Siffert
Repertorio Concierto Pre románticos parisinos
François-Adrien Boieldieu (1775–1834)
Obertura de la ópera Jean de Paris (1812)
Boieldieu, apodado el «Mozart francés», alcanzó la cima de su carrera con Jean de Paris. Estrenada en el Théâtre de l’Opéra-Comique en plena época napoleónica, la obra cuenta la historia de un príncipe que se disfraza de burgués para ganarse el corazón de una princesa.
La obertura es un ejemplo brillante del esprit francés: elegante, chispeante y rítmicamente vigorosa. Comienza con una fanfarria que establece el tono noble y festivo, seguida de pasajes de maderas que demuestran la ligereza y el ingenio melódico típicos de Boieldieu. Esta pieza no solo servía como preludio a la comedia, sino que reafirmaba la supremacía de la ópera cómica francesa en un momento de gran orgullo nacional.
Nicolas Isouard (1773–1818)
Obertura de la ópera Michel-Ange (1802)
Nicolas Isouard, también conocido simplemente como «Nicolo», fue el gran rival de Boieldieu en los escenarios parisinos. Su ópera Michel-Ange es particularmente interesante por ser una de las primeras en llevar a un gran artista histórico (Miguel Ángel Buonarroti) al escenario lírico como protagonista.
La obertura se aleja de la ligereza convencional para adoptar un tono más dramático y «escultórico», acorde a la personalidad del genio renacentista. Isouard utiliza contrastes dinámicos marcados y una orquestación que busca una mayor densidad sonora, anticipando la intensidad que caracterizaría al drama musical del siglo XIX. Es una pieza de transición que muestra cómo el lenguaje clásico empezaba a estirarse para expresar emociones más complejas y biográficas.
Pablo Aranda (1960-)
A-sar (2025) Estreno absoluto
» “A-Sar” está dedicada a la Orquesta de Cámara de Chile. Es una obra que formalmente puede describirse como un “devenir sonoro” que va mutando bajo la premisa del eterno retorno y cambio. La orquesta es tratada como un dispositivo sonoro, una suerte de caleidoscopio de micro-variaciones tímbricas que hacen que, aunque una estructura se repita, nunca sea igual.
Escribí especialmente una línea lírica para el de violín pensando en mi amigo y compañero Hernán Muñoz, un violín que va hilando, también – a veces- suturando ciertos fragmentos que puedan parecer dispersos en el tiempo. Pero además, se me fue apareciendo en la pieza la huella y la resonancia del clarinete de nuestro querido José Chacana (QEPD)». (Pablo Aranda)
Luigi Cherubini (1760–1842)
Sinfonía en Re mayor (1815)
Aunque Cherubini es recordado principalmente por sus óperas y su labor pedagógica en el Conservatorio de París, su única incursión en el género sinfónico es una obra maestra de precisión técnica. Fue comisionada por la Philharmonic Society de Londres en 1815, el mismo año en que la institución solicitó obras a Beethoven.
La Sinfonía en Re mayor es un prodigio de arquitectura formal. A pesar de su estructura clásica en cuatro movimientos, la obra respira un aire proto-romántico:
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Largo – Allegro: Una introducción majestuosa seguida de un desarrollo contrapuntístico riguroso.
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Larghetto cantabile: Un movimiento de gran lirismo que destaca la nobleza de las cuerdas.
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Minuetto (Allegro non tanto): Lejos de ser una danza cortesana, tiene un carácter rítmico casi de scherzo.
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Allegro assai: Un final lleno de energía motriz que cierra la obra con brillantez.
Beethoven, quien admiraba profundamente a Cherubini, consideraba al compositor italiano como el más grande de sus contemporáneos en el estilo dramático.
Repertorio Concierto Pre románticos en Alemania
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Marcha de Tarpeja (WoO 2)
Escrita en tonalidad de Do mayor, una tonalidad que Beethoven solía usar para representar claridad y nobleza. Esta marcha destaca por su economía temática, Beethoven utiliza el ritmo de punto para evocar una procesión militar que es, al mismo tiempo, fúnebre y heroica.
Esta es una de las piezas menos conocidas de Beethoven, pero posee un encanto histórico particular. Fue compuesta en 1813 como música incidental para la tragedia Leonore Prohaska de Friedrich Duncker. La obra –ya olvidada- narra la historia de una heroína prusiana de las guerras napoleónicas. «Tarpeja» hace referencia a la Roca Tarpeya en Roma, un lugar de ejecución desde donde se lanzaba a los traidores. En la obra de teatro, acompañaba a una escena de sacrificio con entrada procesional.
La marcha destaca por su instrumentación clara y su ritmo marcial decidido, mostrando la maestría de Beethoven incluso en piezas breves por encargo.
Aunque es una pieza breve, su construcción es un ejemplo perfecto de la economía de medios de Beethoven.
Franz Danzi (1763 – 1826)
Sinfonía en Re mayor (P 223)
- Allegro
- Andante
- Menuetto (Allegretto)
- Finale (Allegro)
Esta sinfonía es un modelo de la forma clásica tardía, destacando por su frescura y el uso experto de los vientos, una orquestación que se siente «transicional» entre el equilibrio clásico y la expansión romántica.
El primer movimiento sigue una forma sonata rigurosa. El tema principal en Re mayor es expansivo, mientras que el desarrollo muestra la habilidad de Danzi para modular por tonalidades vecinas con gran fluidez.
Le sigue un movimiento lírico, casi operístico, donde las maderas (especialmente el oboe y el fagot) entablan un diálogo melódico sobre un acompañamiento de cuerdas en pizzicato.
El tercer movimiento conserva el carácter de la danza cortesana, pero con acentos rítmicos que le dan un aire más rústico y vigoroso.
Tiene un cierre lleno de espíritu (con influencias del estilo galante), donde destaca la agilidad de los violines y un final brillante y decidido.
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Sinfonía n° 7 en La mayor (Op. 92)
- Poco sostenuto – Vivace
- Allegretto
- Presto
- Allegro con brio
Fue estrenada en 1813 en Viena, en un concierto a beneficio de los soldados heridos en la batalla de Hanau. Fue un éxito inmediato, especialmente el segundo movimiento.
Comienza con la introducción más larga de sus sinfonías, con escalas ascendentes que generan una tensión creciente. El Vivace está dominado por un ritmo que no cesa hasta el final del movimiento.
El segundo movimiento es el más famoso. Aunque técnicamente es un Allegretto, tiene un carácter de marcha fúnebre hipnótica que se construye sobre un ostinato rítmico que crece en capas de instrumentación (un crescendo beethoveniano clásico).
Le sigue Scherzo en Fa mayor lleno de energía y contrastes dinámicos. El Trío central se basa, según la tradición, en un himno de peregrinos austriacos.
Cierra con un final dionisíaco que lleva la energía rítmica al límite. Es música en estado puro, una danza frenética que lleva a la orquesta a sus límites técnicos. Considerada una de las cumbres de la música orquestal, Richard Wagner la llamó «la apoteosis de la danza».
